影音交响曲

在前三期的舞台摄影连载中，庞立平老师向影友们详细讲解了现代舞、民族舞、京剧、话剧等多类舞台艺术的拍摄技巧，本期我们将进入舞台摄影系列连载的最后一期——音乐会及大型演出的拍摄技巧与心得。如何才能巧妙地用画面表现音乐?如何才能不去惊扰表演者?如何才能将影音完美地融合?庞老师将为大家一一道来。

音乐会及大型演唱会，这两种演出相对音，有静与动的区别。“静”的是音乐会，尤其是交响音乐会。除了演奏时的音乐，有一点杂音都会被指挥家听到，所以拍摄时快门的声音对音乐会现场的观众是有影响的。一般情况下，演出时拒绝拍摄。迟到的观众，也要等待一段音乐演奏完，方能入场。因此，我们要先征得剧场负责人的同意后，才能拍摄，为了把对观众的干扰降到最小，我们应当注意两点：第一，尽可能把机位固定在音乐厅靠后的位置，减少移动。第二，按动快门的时机，尽可能选在音乐声响较大时，用音乐盖住按动快门的杂音。此外，拍摄大场面时，摄影角度高，层次感自然好；并且尽量选用中焦和长焦镜头，这样拍摄空间不易变形。交响音乐会庄重宏大，要把场景空间拍得四平八稳才好，不必追求太过新奇的构图。如果想拍摄指挥家可以在谢幕时抓拍，在拍摄角度允许的情况下，也可以在舞台内侧面渡桥上，用长焦抓拍指挥时的特写。

“动”是指大型演唱会。如今全国各地都流行搞大型演唱会，北京四月份刚刚上演了许巍以及纵贯线演唱会，场面空前。演唱会多在大型公园、体育场馆举行，台上艺人激情献艺，台下观众也群情激昂，场面更加宏大，舞美灯光设计更加丰富多彩。拍摄这样的场景，摄影师就比较辛苦了，场面大，腿要勤，要想拍到角度丰富的画面，就得背着很重的摄影器材在偌大的演唱会现场奔走。我们不妨使用摄影腰包，把备用镜头放在里面，身挂相机、肩扛三角架，随时保持战斗力。在这里400mm以上的长焦镜头使用机会很多。但从方便考虑，最好额外准备一枚大变焦镜头，抓拍机会多一些。拍摄时我们不要被眼花缭乱的灯光与舞台上的烟雾、干冰所迷惑，需经常通过机身上的液晶屏察看拍摄效果，并观察直方图，保证曝光正确，色彩协调。要想使所摄图片使用率更高，就多拍一些社会名人，并注意抓拍中景，近景和人物特写。在体育场馆中拍摄位置相对固定，我们可以将场馆内现成的设施临时利用一下，比如：观众席每个区域头一排总是有一些金属栏杆，在携带摄影器材时带上几个多功能卡子，上边有云台，就可随意卡在观众席栏杆上。这样几部相机同时装上，同时拍摄，从大场景到特写都不会丢掉，好画面尽收镜中。虽然现场我们有些手忙脚乱，但是乐在其中。特别是某些重大活动可能几十年、上百年只有一次，我们付出的多一些，多留一些有历史价值的图片是非常值得的。我在残奥会的开、闭幕式上，就是这样拍摄的。

我还想借此机会，就上几期读者提出的意见，谈一下舞台摄影的白平衡问题。

我们可以把舞台光源分为两种，一种是稳定的光源，如音乐会、室外演出、舞台剧等，在演出期间不会有太大的变化。这种稳定光源下的演出，从人物肤色到服装颜色一般需要比较真实的还原，尽量拍摄时一步到位，不然后期调整时难以校正准确，且会损害照片质量。这种情况下，我们可以在演出正式开始前进行试拍，先设置自动白平衡模式，由相机来修复复杂的光线，通过液晶屏观察拍摄效果。从我个人的舞台摄影经验来讲，注意一下所拍画面中舞台灯光投射到人脸时面部的肤色，就不难看出光源色温是否得到了准确的校正。如果色温不对，还原不真实，放出的照片就会有一些不堪入目。自动白平衡有时不能对现场光进行理想的校正，无法使色彩真实还原，这就需逐级试验其他挡项。例如上述几种节目。如果使用钨丝灯或溴钨灯。将白平衡定在“白炽灯”这档比较好。如果各档逐一试过后仍没有找到最准确的，就需调节K值数字，慢慢试拍，总会找到最准确还原色彩的K值。

另一种是不断变化的光源，例如歌舞晚会。其舞台灯光浓烈，各种色彩眩目夺人，这种情况下特意调整白平衡。会削弱舞台气氛的再现。舞台艺术尤其是舞蹈表演。有时非常需要色彩夸张，目的是突出舞蹈的主题思想，强化视觉冲击力。

大型演唱会及伴舞肯定会使用大量电脑灯及追光灯(气体放电光源)，它们的色温都在6000K左右，因舞台演出气氛、灯光设计的需要，灯具上常加上涤纶彩色纸。在这种情况下，灯光色彩很复杂、变化很多，为准确还原慢慢试拍是不可能的，也没有这个必要，因此将白平衡设在自动挡是比较方便的。

也就是说，看我们的拍摄与创作目的，如果是想创作一幅舞台色彩非常夸张的作品，那我们可以随意调整白平衡，达到预期的色彩效果。

结语：

这四期我就舞台摄影的方方面面谈了些个人的经验与体会，希望对影友们能有一些帮助和启迪。下面就再总结性地谈一些个人观点。

舞台摄影门类众多，聪明的摄影者应精于一门，多门辅助。选一门自己最热爱，同时接触机会最多的舞台表演形式作为主要拍摄对象，仔细研究其艺术规律。当你不断拍出佳作时，你可能已经成了这门舞台艺术的半个专家。把这一门拍精、拍透，多出好作品，其它门类也不放弃，作为对技术与经验的磨练。像我本人就立足于现代舞拍摄，兼以拍摄其他舞台艺术形式，也拍摄一些大型表演活动。

舞台摄影对器材的要求相对来说比较高，也要求我们充分了解掌握自己所用的数码相机。数码影像前后期是一个整体，没有高质量的前期拍摄，后期就是无源之水，再好的创意也无法实现。在数码技术发展很快的情况下，应该把手头上已有的设备最大限度地开发利用，在利用殆尽的情况下，当已有设备满足不了进一步艺术创作的需求时，再去更新换代。后期的制作调整也很重要，优良的后期控制能使影像更易具备艺术气质，有时能化平庸为神奇。艺术无禁忌，前期后期都可以大胆尝试，但最佳组合则是有后期设想的前期拍摄，即拍摄时就已经想到这幅片子经过后期加工处理后的成品效果。

舞台摄影很大程度是纪实抓拍，在现场需要快速反应，所以要求我们在拍摄技术上精、准、快，艺术上大胆决断。

舞台艺术是造型艺术与时间艺术的综合，摄影则是单纯的造型艺术，舞台摄影是用造型语言来截取时间艺术的瞬间。舞台艺术本身在进行不断的造型形式创新，灯光、色彩、布景、道具、服饰、肢体的运动组合都在日新月异，为舞台大画布提供着新元素、新看点。舞台摄影作为单纯的造型语言则更要注重形式创新，它应该甚至能给舞台艺术的形式创新与发展带来前瞻性的启迪。

总之，舞台艺术是生活的提炼和精华，而舞台摄影作品希望将舞台表演的精华神髓再次提炼出来，成为定格记忆、深入人心的画面。只要我们热爱舞台，了解舞台，胆大、心细，多学习、多体会，多实践、多总结，拥有扎实的技术和不放弃任何一次机会的勤奋，就都能成为优秀的舞台摄影者，拍出永恒、经典的佳作。

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